Sobre el arte (en agosto) III

Philippe Ramette, Sans titre, 2007.

La teoría del buen gusto se impone definitivamente cuando se define al arte como "aquello que se da a sí mismo su propia regla" (Friedrich von Schiller). Es decir, cuando el arte comienza a eludir la definición porque se descubre que el dominio de un oficio artesanal no garantiza la producción artística. Es necesario ese misterioso “ne sais quoi” que convierte una obra bien hecha en una obra maestra. En términos platónicos este “ne sais quoi” es la manía. Ahora se le da el nombre de "genio", que es la capacidad para introducir en la obra bien hecha lo imponderable, lo sublime.

Probablemente el primero en percatarse de la profundidad del cambio que se estaba produciendo en el dominio del arte fue Hegel (1770-1831). En su Estética escribe:

"Frente al tiempo en que el artista por su nacionalidad y tiempo se hallaba dentro de una determinada concepción del mundo y de su contenido y formas de representación, hoy nos hallamos en un punto de vista enteramente opuesto (…) la libertad de pensamiento se ha apoderado también de los artistas (…). El arte se ha convertido en un instrumento libre que el artista puede manejar indistintamente, según la medida de su habilidad subjetiva, en relación con todo contenido, del tipo que sea."

En 1910 Loos expresa la tesis de Hegel de la manera más rotunda:

“el arte es la libertad del genio”.

La “libertad del genio” toma en el siglo XX la forma de “vanguardia” y, como tal, triunfa definitivamente tras la Segunda Guerra Mundial. Y con su triunfo, agota su sentido, porque si la vanguardia militante era el modernismo, el triunfo de la vanguardia nos sitúa en el postmodernismo. "L'art de révolte est devenu profession" (A, Moles).

A comienzos de la segunda década del siglo XX un número selecto de artistas comienza a experimentar con la forma desnuda, es decir, sin ornamento. De 1910 es el Desnudo femenino de Picasso, de 1913 Les peintres cubistes de Apollinaire. Su estudio incluye a Marcel Duchamp, Robert Delaunay, Fernand Léger, Francis Picabia y Frantisek Kupka.

Apollinaire les da el nombre de "cubistas órficos". Todos ellos querían crear un arte abstracto "puro" y, según Apollinaire, el orfismo sería "el arte de pintar nuevas estructuras a partir de elementos que no han sido tomados de la esfera visual sino enteramente creados por el propio artista". Lo puro del “arte puro" no puede ser percibido por los sentidos, sino captado intelectualmente. Todo suena, podríamos decir que incluso excesivamente platónico. Pero no por casualidad. El pintor órfico pinta con los ojos de la inteligencia fijos en estructuras geométricas y en ritmos. Kupka o Delaunay consideran que la música es el lenguaje del mundo y, por lo tanto, de la propia pintura. Fuera de este grupo, Kandinsky o Paul Klee andan inmersos en el estudio de las correlaciones entre color y sonido.

No deja de ser curiosa –y no sé si ha sido estudiada- esta contaminación neoplatónica de la vanguardia. El caso de Mondrian es paradigmático. A partir de 1917 experimenta con cuadros y rectángulos de colores, claramente influenciado por el misticismo de Isis. Mondrian comenzó a pintar bajo la tremenda influencia que le produjo la lectura de Isis sin velo (1877) de Mme Blavatsky, con la intención de reflejar la realidad superior, que trasciende la naturaleza.

Podemos decir algo semejante del pintor alsaciano Hans Arp, vinculado con Kandinsky. Describe sus obras como "estructuras de líneas, superficies, formas, colores. Tratan de acercarse a lo eterno, lo inexpresivo por encima del hombre. Son una negación del egotismo humano." Sus influencias son las del misticismo de Jakob Böhme y del neoplatonismo romántico de Novalis. Siguiendo a ambos, Arp redescubre que la búsqueda de lo eterno acaba resolviéndose en una geometría que quiere ser representación esencial. Algo así como una descripción plástica del cielo del Timeo.

Savador Dalí y Man Ray